El documento discute el tema del desnudo femenino a lo largo de la historia del arte. Explica cómo las representaciones del cuerpo femenino han variado en diferentes épocas y culturas, desde la prehistoria hasta la actualidad, y cómo el desnudo ha sido tanto celebrado como tabú en diferentes contextos. También explora las causas por las cuales el desnudo sigue siendo un tema controvertido.
El documento trata sobre la historia y representación del desnudo femenino a lo largo de diferentes épocas y culturas. Explica que en la prehistoria se representaban figuras femeninas con atributos de fertilidad y que en la antigua Grecia el cuerpo se veía como una creación perfecta. También analiza cómo en la Edad Media el cuerpo pasó a verse como pecaminoso y cómo fue cambiando su representación en diferentes periodos artísticos hasta la actualidad.
El documento describe la evolución histórica de la representación del desnudo femenino en el arte a través de diferentes épocas, desde la prehistoria hasta la época barroca. En la prehistoria, el desnudo femenino se representaba en escenas cotidianas o en estatuillas que simbolizaban la fertilidad. A lo largo de la historia, el canon de belleza femenina varió según la cultura, pero el cuerpo femenino siempre ha sido un tema importante en el arte. La Iglesia católica consideraba el desnudo tabú,
Este documento resume la representación del desnudo femenino a lo largo de la historia del arte. Comienza con un análisis de la obra "El nacimiento de Venus" de Botticelli y luego discute las actitudes hacia el desnudo en la prehistoria, el antiguo Egipto, Grecia, la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Finalmente, analiza las causas actuales del tabú en torno al desnudo y el uso del cuerpo femenino en la publicidad.
El documento resume brevemente la representación del desnudo femenino a lo largo de la historia en diferentes culturas y épocas como la prehistoria, el antiguo Egipto, Grecia, la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Explica que el desnudo ha sido un tema controvertido en el arte y que su representación ha estado sujeta a tabúes y restricciones dependiendo del contexto cultural y religioso.
El documento describe brevemente la representación del desnudo femenino a lo largo de la historia en diferentes culturas y épocas, desde la prehistoria hasta la actualidad. Explica que aunque el desnudo ha sido un tema controvertido, ha estado presente en el arte desde los inicios y su percepción ha variado cultural y temporalmente, siendo a veces visto como erótico o simplemente natural.
Canon de belleza. Edad media, Renacimiento y BarrocoRamón Soler Sáez
Este documento presenta un resumen del canon de belleza en la prehistoria, Egipto, Grecia y Roma. En la prehistoria, se preferían mujeres con características que facilitaran el parto como pechos, vientre y caderas anchas. En Egipto, el cuerpo debía estar proporcionado y se valoraba la delgadez y la higiene. En Grecia, se relacionó la belleza con las matemáticas y se prefirió la simetría; los ideales eran caderas anchas en mujeres y un cuerpo at
Basado en los trabajos de Mercedes Madrid, esta presentación recorre la historia del desnudo masculino y femenino en el arte, centrándose en los referentes culturales de la Antigüedad Clásica.
Este documento resume la representación de la mujer a lo largo de la historia del arte desde la Prehistoria hasta el siglo XX. En general, la mujer ha sido representada desde la perspectiva masculina, enfocándose más en sus rasgos físicos y sexuales. Los cánones de belleza han variado según la época y cultura, desde figuras con órganos reproductivos marcados en la Prehistoria hasta ideales de simetría y proporción en Grecia antigua. El cristianismo promovió la modestia femenina en la Edad Media, m
El documento trata sobre la historia y representación del desnudo femenino a lo largo de diferentes épocas y culturas. Explica que en la prehistoria se representaban figuras femeninas con atributos de fertilidad y que en la antigua Grecia el cuerpo se veía como una creación perfecta. También analiza cómo en la Edad Media el cuerpo pasó a verse como pecaminoso y cómo fue cambiando su representación en diferentes periodos artísticos hasta la actualidad.
El documento describe la evolución histórica de la representación del desnudo femenino en el arte a través de diferentes épocas, desde la prehistoria hasta la época barroca. En la prehistoria, el desnudo femenino se representaba en escenas cotidianas o en estatuillas que simbolizaban la fertilidad. A lo largo de la historia, el canon de belleza femenina varió según la cultura, pero el cuerpo femenino siempre ha sido un tema importante en el arte. La Iglesia católica consideraba el desnudo tabú,
Este documento resume la representación del desnudo femenino a lo largo de la historia del arte. Comienza con un análisis de la obra "El nacimiento de Venus" de Botticelli y luego discute las actitudes hacia el desnudo en la prehistoria, el antiguo Egipto, Grecia, la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Finalmente, analiza las causas actuales del tabú en torno al desnudo y el uso del cuerpo femenino en la publicidad.
El documento resume brevemente la representación del desnudo femenino a lo largo de la historia en diferentes culturas y épocas como la prehistoria, el antiguo Egipto, Grecia, la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Explica que el desnudo ha sido un tema controvertido en el arte y que su representación ha estado sujeta a tabúes y restricciones dependiendo del contexto cultural y religioso.
El documento describe brevemente la representación del desnudo femenino a lo largo de la historia en diferentes culturas y épocas, desde la prehistoria hasta la actualidad. Explica que aunque el desnudo ha sido un tema controvertido, ha estado presente en el arte desde los inicios y su percepción ha variado cultural y temporalmente, siendo a veces visto como erótico o simplemente natural.
Canon de belleza. Edad media, Renacimiento y BarrocoRamón Soler Sáez
Este documento presenta un resumen del canon de belleza en la prehistoria, Egipto, Grecia y Roma. En la prehistoria, se preferían mujeres con características que facilitaran el parto como pechos, vientre y caderas anchas. En Egipto, el cuerpo debía estar proporcionado y se valoraba la delgadez y la higiene. En Grecia, se relacionó la belleza con las matemáticas y se prefirió la simetría; los ideales eran caderas anchas en mujeres y un cuerpo at
Basado en los trabajos de Mercedes Madrid, esta presentación recorre la historia del desnudo masculino y femenino en el arte, centrándose en los referentes culturales de la Antigüedad Clásica.
Este documento resume la representación de la mujer a lo largo de la historia del arte desde la Prehistoria hasta el siglo XX. En general, la mujer ha sido representada desde la perspectiva masculina, enfocándose más en sus rasgos físicos y sexuales. Los cánones de belleza han variado según la época y cultura, desde figuras con órganos reproductivos marcados en la Prehistoria hasta ideales de simetría y proporción en Grecia antigua. El cristianismo promovió la modestia femenina en la Edad Media, m
Desnudos de mujer en la pintura del siglo xixJuan Hodgson
El documento resume las representaciones del cuerpo femenino desnudo en la pintura del siglo XIX en Europa, dividiendo el periodo en estilos como neoclasicismo, romanticismo, academicismo, naturalismo y realismo, impresionismo, simbolismo y prerrafaelismo. Cada estilo se caracterizó por ciertas concepciones de la belleza femenina y por artistas representativos que pintaron desnudos con esas características.
El canon de belleza romántico rompió con las normas clásicas de belleza griega. La belleza se experimentaba de manera subjetiva y podía encontrarse en lo feo o extravagante. Los hombres adoptaron pantalones y trajes oscuros que reflejaban la nueva clase burguesa, mientras que las mujeres idealizaban la palidez y delgadez extrema como signos de enfermedad y fragilidad.
El documento describe la evolución de la belleza a través de la historia, desde la prehistoria hasta la actualidad. En cada época y cultura, se destacan los ideales de belleza y las prácticas cosméticas que se usaban, como los rituales funerarios en Egipto, el culto al cuerpo en Grecia, y el uso excesivo de maquillaje en el siglo XVIII. En la actualidad, a pesar de los avances, aún existe una búsqueda extrema de delgadez que no siempre refleja la belleza interior.
Teoría de la imagen i unidad 4 - actividad 2 - el cuerpo humano para griego...grep1981
Este documento describe las representaciones del cuerpo humano en las culturas egipcia, griega y del Renacimiento. Explica que los egipcios seguían reglas estrictas para representar las partes del cuerpo de forma estática y simbólica. Los griegos enfatizaban la belleza ideal y el cuerpo desnudo, y establecieron cánones como 7 u 8 cabezas de altura. En el Renacimiento se retomaron los ideales clásicos y se estudió la anatomía, representando cuerpos realistas pero idealizados.
La pintura egipcia se caracterizaba por representaciones conceptuales más que realistas de figuras humanas. Usaban colores planos y líneas para delinear contornos. El tamaño de las figuras indicaba su estatus social. Pintaban escenas de la vida del faraón, dioses y cotidiana siguiendo convenciones como mostrar la cabeza de perfil y el ojo de frente.
La figura humana ha evolucionado a lo largo de la historia, desde representaciones simples en la Prehistoria hasta obras más realistas y detalladas. En el Barroco, la figura se caracterizó por el movimiento, la teatralidad y el claroscuro para capturar momentos dramáticos. La representación humana continuó perfeccionándose en estilos posteriores hasta alcanzar formas abstractas en el Vanguardismo.
El documento describe la evolución de la representación de la figura humana en el arte egipcio antiguo desde el período predinástico hasta la época greco-romana. Se detalla el desarrollo de la escultura, pintura y bajorrelieves a lo largo de los diferentes períodos históricos de Egipto, así como las características generales de la representación humana como la frontalidad y el hieratismo.
Canon de belleza. Edad media, Renacimiento y BarrocoRamón Soler Sáez
Este documento presenta un resumen del canon de belleza durante la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Durante la Edad Media, el cuerpo femenino se consideraba un instrumento de pecado y las mujeres debían vestir de manera recatada. En el Renacimiento, el ideal de belleza se basaba en la armonía y proporción, como se ve en obras de Miguel Ángel y Botticelli. El Barroco enfatizó la apariencia y la coquetería. Finalmente, los Prerrafaelitas representaron una belleza femenina sensual
El documento describe la representación de la figura humana en el arte egipcio a lo largo de la historia, desde el período predinástico hasta el período grecorromano. Explica las características generales de la escultura y pintura egipcias, como la frontalidad y el canon de proporciones. Además, presenta numerosos ejemplos de esculturas, estatuas, bustos y bajorrelieves a través de los diferentes períodos del antiguo Egipto.
El documento describe la evolución del canon de belleza en la cultura occidental desde la Prehistoria hasta el Renacimiento. En la Prehistoria, el ideal de belleza femenina se caracterizaba por formas voluminosas y redondeadas. En Egipto, la belleza se basaba en la armonía y proporción, y se valoraban cuerpos delgados y limpios. Para los griegos, la belleza requería simetría y proporciones matemáticas, representadas en la escultura clásica.
Este documento explora cómo la imagen del cuerpo humano ha variado a lo largo de la historia y entre diferentes culturas. Se mencionan ejemplos de representaciones del cuerpo de la antigüedad clásica, el Renacimiento, y épocas posteriores, y cómo cada período ha intentado establecer cánones de belleza. También discute cómo el cuerpo expresa emociones y cómo las personas lo han adornado a través del tiempo.
Este documento resume la historia del estudio de las proporciones del cuerpo humano en el arte desde la antigua Grecia hasta el Renacimiento. Los artistas griegos Policleto, Praxíteles y Leócares establecieron cánones de 7 1/2, 8 y 8 1/2 cabezas respectivamente. En el Renacimiento, Miguel Ángel, Leonardo y Botticelli usaron cánones de 7 1/2, 8 y 9 cabezas. Estudios posteriores encontraron que los promedios normal, ideal y heroico son de 7 1/2,
El documento presenta una línea de tiempo del arte de la figura humana desde la prehistoria hasta el siglo XX. Incluye ejemplos de esculturas y pinturas de diferentes períodos como la prehistoria, Egipto, Grecia, Roma, la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Neoclasicismo, el Romanticismo, el Impresionismo, el Realismo y las Vanguardias, mostrando la evolución en las formas y significados representados a lo largo de la historia.
El documento resume la representación del cuerpo humano en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras representaciones en la prehistoria y continúa explorando las culturas egipcia, griega y romana. Luego analiza la Edad Media y el Renacimiento, enfocándose en artistas como Miguel Ángel, Da Vinci y Boticelli. El documento también cubre el Barroco, con Bernini, y el siglo XX, con artistas como Picasso, Matisse y Munch. En general, traza la evolución de la figura humana en el arte
Con la Historia de la Belleza vemos las similitudes y las diferencias de la concepcion de la belleza en la diversas epocas y culturas para comprender nuestros canones de belleza actuales.
Este documento resume la evolución de la belleza a través de diferentes épocas y culturas. Comienza analizando conceptos de belleza en la prehistoria, Egipto, Grecia y la Edad Media, donde primaban características como la simetría, la perfección y la blancura de la piel. Luego revisa la belleza en el Renacimiento, Barroco, siglos XIX y XX, donde los ideales cambiaron y se enfocaron más en la delgadez y sensualidad. Finalmente, analiza las concepciones de belleza
La estetica y la belleza atraves del tiempowachifr
El documento describe la evolución de los conceptos de belleza a través de la historia. En la prehistoria, la belleza se asociaba con características femeninas que facilitaban el parto y la crianza de los hijos. En la antigua Grecia y Egipto, la simetría y proporción del cuerpo humano definían la belleza. Durante la Edad Media, la belleza espiritual cristiana ganó importancia sobre la belleza física. En el siglo XX, los ideales de belleza cambiaron con la emancipación femenina.
El documento describe la representación de la figura humana en diferentes épocas históricas como el Antiguo Egipto, la Antigua Grecia, la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Romanticismo y el Expresionismo. En cada época, los artistas se enfocaron en diferentes aspectos anatómicos y estilísticos al representar la figura humana, influenciados por las convenciones culturales y artísticas de la época. El documento incluye ejemplos de pinturas representativas de cada período.
Este documento presenta una serie de esculturas de diferentes culturas y épocas que se caracterizan por representar figuras de la naturaleza o tener influencia del espacio urbano. Brevemente describe cada pieza resaltando aspectos como su técnica, estilo, materiales, simbolismo y función original.
El documento resume la evolución de la escultura griega desde el período arcaico hasta el helenístico. En el período arcaico, las esculturas mostraban frontalidad y simetría, influenciadas por el arte egipcio. En el clásico se abandonó la frontalidad y se logró un naturalismo idealizado, destacando obras como el Discóbolo. En el helenístico hubo un realismo mayor y se representaron temas más humildes.
El documento describe brevemente la obra "El nacimiento de Venus" de Sandro Botticelli, incluyendo detalles sobre el tema mitológico, los personajes representados y el estilo artístico. Luego resume cómo se ha representado el desnudo femenino a lo largo de la historia en diferentes culturas y épocas, desde la prehistoria hasta el Renacimiento.
El documento presenta una discusión sobre la historia de la belleza y la fealdad a través de los tiempos. Aborda temas como la evolución del concepto de belleza desde la prehistoria hasta la actualidad, pasando por la Grecia antigua, la Edad Media y diferentes movimientos artísticos. También explora cómo a través de la historia se han relacionado la belleza y la fealdad con factores políticos y sociales más que estéticos. Finalmente, define diferentes tipos de fealdad como la fealdad formal.
Desnudos de mujer en la pintura del siglo xixJuan Hodgson
El documento resume las representaciones del cuerpo femenino desnudo en la pintura del siglo XIX en Europa, dividiendo el periodo en estilos como neoclasicismo, romanticismo, academicismo, naturalismo y realismo, impresionismo, simbolismo y prerrafaelismo. Cada estilo se caracterizó por ciertas concepciones de la belleza femenina y por artistas representativos que pintaron desnudos con esas características.
El canon de belleza romántico rompió con las normas clásicas de belleza griega. La belleza se experimentaba de manera subjetiva y podía encontrarse en lo feo o extravagante. Los hombres adoptaron pantalones y trajes oscuros que reflejaban la nueva clase burguesa, mientras que las mujeres idealizaban la palidez y delgadez extrema como signos de enfermedad y fragilidad.
El documento describe la evolución de la belleza a través de la historia, desde la prehistoria hasta la actualidad. En cada época y cultura, se destacan los ideales de belleza y las prácticas cosméticas que se usaban, como los rituales funerarios en Egipto, el culto al cuerpo en Grecia, y el uso excesivo de maquillaje en el siglo XVIII. En la actualidad, a pesar de los avances, aún existe una búsqueda extrema de delgadez que no siempre refleja la belleza interior.
Teoría de la imagen i unidad 4 - actividad 2 - el cuerpo humano para griego...grep1981
Este documento describe las representaciones del cuerpo humano en las culturas egipcia, griega y del Renacimiento. Explica que los egipcios seguían reglas estrictas para representar las partes del cuerpo de forma estática y simbólica. Los griegos enfatizaban la belleza ideal y el cuerpo desnudo, y establecieron cánones como 7 u 8 cabezas de altura. En el Renacimiento se retomaron los ideales clásicos y se estudió la anatomía, representando cuerpos realistas pero idealizados.
La pintura egipcia se caracterizaba por representaciones conceptuales más que realistas de figuras humanas. Usaban colores planos y líneas para delinear contornos. El tamaño de las figuras indicaba su estatus social. Pintaban escenas de la vida del faraón, dioses y cotidiana siguiendo convenciones como mostrar la cabeza de perfil y el ojo de frente.
La figura humana ha evolucionado a lo largo de la historia, desde representaciones simples en la Prehistoria hasta obras más realistas y detalladas. En el Barroco, la figura se caracterizó por el movimiento, la teatralidad y el claroscuro para capturar momentos dramáticos. La representación humana continuó perfeccionándose en estilos posteriores hasta alcanzar formas abstractas en el Vanguardismo.
El documento describe la evolución de la representación de la figura humana en el arte egipcio antiguo desde el período predinástico hasta la época greco-romana. Se detalla el desarrollo de la escultura, pintura y bajorrelieves a lo largo de los diferentes períodos históricos de Egipto, así como las características generales de la representación humana como la frontalidad y el hieratismo.
Canon de belleza. Edad media, Renacimiento y BarrocoRamón Soler Sáez
Este documento presenta un resumen del canon de belleza durante la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Durante la Edad Media, el cuerpo femenino se consideraba un instrumento de pecado y las mujeres debían vestir de manera recatada. En el Renacimiento, el ideal de belleza se basaba en la armonía y proporción, como se ve en obras de Miguel Ángel y Botticelli. El Barroco enfatizó la apariencia y la coquetería. Finalmente, los Prerrafaelitas representaron una belleza femenina sensual
El documento describe la representación de la figura humana en el arte egipcio a lo largo de la historia, desde el período predinástico hasta el período grecorromano. Explica las características generales de la escultura y pintura egipcias, como la frontalidad y el canon de proporciones. Además, presenta numerosos ejemplos de esculturas, estatuas, bustos y bajorrelieves a través de los diferentes períodos del antiguo Egipto.
El documento describe la evolución del canon de belleza en la cultura occidental desde la Prehistoria hasta el Renacimiento. En la Prehistoria, el ideal de belleza femenina se caracterizaba por formas voluminosas y redondeadas. En Egipto, la belleza se basaba en la armonía y proporción, y se valoraban cuerpos delgados y limpios. Para los griegos, la belleza requería simetría y proporciones matemáticas, representadas en la escultura clásica.
Este documento explora cómo la imagen del cuerpo humano ha variado a lo largo de la historia y entre diferentes culturas. Se mencionan ejemplos de representaciones del cuerpo de la antigüedad clásica, el Renacimiento, y épocas posteriores, y cómo cada período ha intentado establecer cánones de belleza. También discute cómo el cuerpo expresa emociones y cómo las personas lo han adornado a través del tiempo.
Este documento resume la historia del estudio de las proporciones del cuerpo humano en el arte desde la antigua Grecia hasta el Renacimiento. Los artistas griegos Policleto, Praxíteles y Leócares establecieron cánones de 7 1/2, 8 y 8 1/2 cabezas respectivamente. En el Renacimiento, Miguel Ángel, Leonardo y Botticelli usaron cánones de 7 1/2, 8 y 9 cabezas. Estudios posteriores encontraron que los promedios normal, ideal y heroico son de 7 1/2,
El documento presenta una línea de tiempo del arte de la figura humana desde la prehistoria hasta el siglo XX. Incluye ejemplos de esculturas y pinturas de diferentes períodos como la prehistoria, Egipto, Grecia, Roma, la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Neoclasicismo, el Romanticismo, el Impresionismo, el Realismo y las Vanguardias, mostrando la evolución en las formas y significados representados a lo largo de la historia.
El documento resume la representación del cuerpo humano en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras representaciones en la prehistoria y continúa explorando las culturas egipcia, griega y romana. Luego analiza la Edad Media y el Renacimiento, enfocándose en artistas como Miguel Ángel, Da Vinci y Boticelli. El documento también cubre el Barroco, con Bernini, y el siglo XX, con artistas como Picasso, Matisse y Munch. En general, traza la evolución de la figura humana en el arte
Con la Historia de la Belleza vemos las similitudes y las diferencias de la concepcion de la belleza en la diversas epocas y culturas para comprender nuestros canones de belleza actuales.
Este documento resume la evolución de la belleza a través de diferentes épocas y culturas. Comienza analizando conceptos de belleza en la prehistoria, Egipto, Grecia y la Edad Media, donde primaban características como la simetría, la perfección y la blancura de la piel. Luego revisa la belleza en el Renacimiento, Barroco, siglos XIX y XX, donde los ideales cambiaron y se enfocaron más en la delgadez y sensualidad. Finalmente, analiza las concepciones de belleza
La estetica y la belleza atraves del tiempowachifr
El documento describe la evolución de los conceptos de belleza a través de la historia. En la prehistoria, la belleza se asociaba con características femeninas que facilitaban el parto y la crianza de los hijos. En la antigua Grecia y Egipto, la simetría y proporción del cuerpo humano definían la belleza. Durante la Edad Media, la belleza espiritual cristiana ganó importancia sobre la belleza física. En el siglo XX, los ideales de belleza cambiaron con la emancipación femenina.
El documento describe la representación de la figura humana en diferentes épocas históricas como el Antiguo Egipto, la Antigua Grecia, la Edad Media, el Renacimiento, el Barroco, el Romanticismo y el Expresionismo. En cada época, los artistas se enfocaron en diferentes aspectos anatómicos y estilísticos al representar la figura humana, influenciados por las convenciones culturales y artísticas de la época. El documento incluye ejemplos de pinturas representativas de cada período.
Este documento presenta una serie de esculturas de diferentes culturas y épocas que se caracterizan por representar figuras de la naturaleza o tener influencia del espacio urbano. Brevemente describe cada pieza resaltando aspectos como su técnica, estilo, materiales, simbolismo y función original.
El documento resume la evolución de la escultura griega desde el período arcaico hasta el helenístico. En el período arcaico, las esculturas mostraban frontalidad y simetría, influenciadas por el arte egipcio. En el clásico se abandonó la frontalidad y se logró un naturalismo idealizado, destacando obras como el Discóbolo. En el helenístico hubo un realismo mayor y se representaron temas más humildes.
El documento describe brevemente la obra "El nacimiento de Venus" de Sandro Botticelli, incluyendo detalles sobre el tema mitológico, los personajes representados y el estilo artístico. Luego resume cómo se ha representado el desnudo femenino a lo largo de la historia en diferentes culturas y épocas, desde la prehistoria hasta el Renacimiento.
El documento presenta una discusión sobre la historia de la belleza y la fealdad a través de los tiempos. Aborda temas como la evolución del concepto de belleza desde la prehistoria hasta la actualidad, pasando por la Grecia antigua, la Edad Media y diferentes movimientos artísticos. También explora cómo a través de la historia se han relacionado la belleza y la fealdad con factores políticos y sociales más que estéticos. Finalmente, define diferentes tipos de fealdad como la fealdad formal.
Este documento discute la evolución del concepto de belleza a través de la historia y cómo ha sido definido y representado en diferentes épocas y culturas. También analiza cómo los medios de comunicación modernos han influido en el ideal de belleza actual y cómo esto puede afectar negativamente la autoimagen y salud, especialmente de las mujeres. Finalmente, señala que el canon de belleza vigente discrimina y puede conducir a trastornos como la anorexia.
Este documento discute la evolución del concepto de belleza a través de la historia y cómo ha sido definido y representado en diferentes épocas y culturas. También analiza cómo los medios de comunicación modernos han influido en el ideal de belleza actual y cómo esto puede afectar negativamente la autoimagen y salud, especialmente de las mujeres. Finalmente, señala que el canon de belleza vigente suele estar más relacionado y ejercer mayor presión sobre las mujeres que sobre los hombres.
El documento describe la evolución de la representación de la figura humana en la pintura a través de diferentes épocas históricas, desde la Prehistoria hasta el Vanguardismo. Explica cómo el ideal de belleza y las proporciones del cuerpo han variado con el tiempo y cómo artistas de cada período han representado el cuerpo humano, con un enfoque particular en la representación del cuerpo femenino desnudo.
A través de la historia, los estereotipos de belleza en el arte han variado según la época y cultura, desde figuras con cuerpos robustos y curvas pronunciadas en la prehistoria, hasta ideales de delgadez en Grecia y el Renacimiento e ideales más realistas y naturales en épocas posteriores. En los últimos años, los movimientos feministas y de "body positive" han promovido una mayor aceptación de diferentes tipos de cuerpos entre mujeres, reflejado en obras de arte que muestran mujeres seguras de sí m
Este documento trata sobre el tema del desnudo a lo largo de la historia del arte. Explica que el desnudo ha estado presente desde la prehistoria, alcanzando su apogeo en la antigüedad griega y romana. Luego desapareció en la Edad Media por la influencia de la iglesia, para resurgir en el Renacimiento. Posteriormente, el Barroco y otros movimientos como el Rococó, Neoclasicismo y Romanticismo exploraron el desnudo desde diferentes perspectivas, influyendo en su evoluc
El documento trata sobre el tema del desnudo a lo largo de la historia del arte. Resume la evolución del desnudo desde las representaciones en la prehistoria, pasando por su apogeo en la antigüedad griega y romana. Explica cómo el desnudo desapareció en la Edad Media por la influencia de la iglesia, para luego resurgir en el Renacimiento y alcanzar nuevos niveles de sensualidad en el Barroco y el Rococó.
Dialnet arte y-civilizacionegipcios-5162642angypinazo2
El documento describe aspectos del arte y la civilización egipcios. Explica que el arte egipcio se caracterizó por el anonimato de los creadores y por un estilo independiente que no se vio influenciado por factores externos. También describe la arquitectura egipcia, incluyendo la construcción de pirámides, mastabas y templos monumentales, así como esculturas y relieves que seguían convenciones establecidas.
Este documento resume la representación del desnudo en el arte a lo largo de la historia. Ha sido un tema polémico debido a las prohibiciones religiosas. Artistas como Miguel Ángel, Durero, Rubens, Velázquez, Goya y Picasso han pintado desnudos de forma innovadora a pesar de las críticas. El documento analiza obras emblemáticas que muestran la evolución en la aceptación y tratamiento artístico del cuerpo humano.
Este documento presenta un resumen de dos temas de arte: la escultura griega y la pintura gótica. Brevemente describe las tres etapas de la escultura griega (arcaica, clásica y helenística) y analiza obras representativas de cada período como los kuros y la Venus de Milo. También resume los orígenes religiosos de la pintura gótica y cómo las obras se enfocaban en difundir el cristianismo a una audiencia analfabeta.
ECA.4.3.1. Indagar sobre lo que las diversas culturas y sociedades han
considerado, a lo largo del tiempo, como ideal de la figura humana, y
documentar los hallazgos en un texto escrito, con soporte de
imágenes, o en un documento audiovisual.
El documento resume la evolución del papel de la mujer a lo largo de la historia, desde la prehistoria hasta la actualidad. Tradicionalmente subordinada al hombre, su rol fue ganando importancia e independencia con el tiempo. Actualmente goza de un trato más igualitario aunque aún queda camino por recorrer. También describe la representación de la mujer en el arte a través de los periodos históricos y destaca a algunas mujeres importantes.
El documento resume la evolución del papel de la mujer a lo largo de la historia, desde la prehistoria hasta la actualidad. Tradicionalmente subordinada al hombre, su rol fue ganando importancia e independencia con el tiempo. Actualmente goza de un trato más igualitario aunque aún queda camino por recorrer. También describe la representación de la mujer en el arte a través de los periodos históricos y destaca a algunas mujeres importantes.
El documento resume el desarrollo de la imagen desde las pinturas rupestres de la Edad de Piedra hasta el siglo VI d.C. Describe las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y las Venus paleolíticas. Explica cómo los egipcios y griegos influyeron en el arte mediante la pintura de vasijas y la representación de figuras. También habla sobre la columna de Trajano y las pinturas paleocristianas en las catacumbas de Roma. Finalmente, explica cómo el Papa Gregorio validó el uso de im
Historia del arte.
Aportaciones de la cultura griega en el arte (pintura, escultura, arquitectura) y sus características, organización política y organización social, así como aportaciones culturales y científicas.
El documento describe la evolución de la representación de la figura humana a través de la historia, dividiéndola en diferentes etapas: prehistoria, Egipto, Grecia, Edad Media, Renacimiento, Barroco y Vanguardismo. En cada etapa se resaltan las características y técnicas utilizadas para representar la figura humana, como las proporciones en Egipto o el naturalismo en Grecia.
El documento describe la evolución de los ideales de belleza femenina a lo largo de la historia, desde la Prehistoria hasta la Edad Contemporánea. Detalla los cánones de belleza y prácticas de embellecimiento en culturas como Egipto, Grecia, Roma y la Edad Media, y cómo estos cambiaron en el Renacimiento, Barroco y épocas posteriores. Finalmente, analiza los motivos detrás de los cambios en los ideales de belleza y su influencia en la sociedad.
El documento resume la evolución del papel de la mujer a lo largo de la historia, desde la prehistoria hasta la actualidad. Tradicionalmente subordinada al hombre, su rol fue cambiando con el tiempo, asumiendo mayor independencia e importancia individual. Aún queda camino por recorrer para lograr la plena igualdad. El texto también describe la representación de la mujer en el arte a través de las épocas y destaca a importantes mujeres artistas.
Este documento discute el valor cognitivo del arte y las imágenes. Explica que a través del arte podemos conocer aspectos culturales y entender mejor el contexto de una obra. También analiza cuatro modelos de educación artística e identifica el cuarto modelo, que promueve un aprendizaje autónomo e investigador, como el más efectivo. Finalmente, argumenta que el objetivo de la educación artística no debe ser solo enseñar técnicas, sino fomentar que los estudiantes analicen, expliquen e interpreten imá
Este documento discute el valor cognitivo del arte y las imágenes. Explica que a través del arte podemos conocer aspectos culturales y entender mejor el contexto de una obra. También analiza cuatro modelos de educación artística e identifica el cuarto modelo, que promueve un aprendizaje autónomo e investigador, como el más efectivo. Finalmente, argumenta que el objetivo de la educación artística no debe ser solo enseñar técnicas, sino fomentar que los estudiantes analicen, expliquen e interpreten imá
El monasterio de Santa María de la Cueva era originalmente conocido como "Las Cuevas" debido a su riqueza en arcilla. Más tarde, se encontró una imagen de la Virgen María y pasó a llamarse Santa María de las Cuevas. En el siglo XVIII, la capilla del pueblo se construyó detrás del monasterio. En los años 1880, el monasterio se convirtió en una fábrica de cerámica y actualmente está protegido como patrimonio cultural.
El documento describe cómo las imágenes contienen una selección de la realidad, relaciones sintácticas y elementos gráficos y plásticos. Explica diferentes técnicas para crear imágenes con volumen como la adición, sustracción, construcción y deformación. Finalmente, analiza cómo los medios de comunicación como la televisión, publicidad y noticias usan imágenes para vender estereotipos y atraer la atención del público.
El grupo realizó muñecos de plastilina de 20cm de alto con proporciones, uniéndolos de las manos en círculo con una bola de plastilina del mundo en el centro y un sol a un lado, sobre césped artificial en una base de polispan. El objetivo era representar que todos formamos parte del mundo sin diferencia.
Este documento discute el valor cognitivo del arte y las imágenes. Explica que a través del arte podemos conocer aspectos culturales y entender mejor el contexto de una obra. También analiza cuatro modelos de educación artística e identifica el cuarto modelo, que promueve un aprendizaje autónomo e investigador, como el más efectivo. Finalmente, argumenta que el objetivo de la educación artística no debe ser solo enseñar técnicas, sino fomentar que los estudiantes analicen, expliquen e interpreten imá
Vincent van Gogh fue un pintor postimpresionista holandés que dedicó los últimos 10 años de su vida a la pintura al óleo. Trabajó en Bélgica como pastor evangelista antes de iniciar su carrera artística. Más tarde se radicó en Francia junto a su hermano Theo y trabajó con otros artistas como Signac y Gauguin. A pesar de su demencia, sus obras alcanzaron fama y valor tras su muerte.
Este documento discute la necesidad de una nueva narrativa para la educación en artes visuales. Propone que los estudiantes deben aprender a crear narrativas visuales y analizar críticamente la cultura visual. También sugiere que los profesores deben guiar a los estudiantes para que investiguen temas desafiantes por sí mismos en lugar de solo transmitir contenido.
El documento describe diferentes técnicas de representación de imágenes como la adición, sustracción, construcción y deformación. También discute cómo los medios de comunicación usan imágenes para vender estereotipos e influir en nuestras percepciones. Finalmente, argumenta que la educación debería enseñar un análisis crítico de imágenes para que los estudiantes puedan construir su propio conocimiento de forma autónoma.
El documento resume la evolución de las imágenes a través de la historia, desde las primeras pinturas rupestres hasta la era digital actual. Explica que las imágenes religiosas dominaron hasta el siglo XVIII y que la invención de la fotografía y el cine en los siglos XIX y XX llevó las imágenes a una audiencia masiva. Finalmente, destaca que Internet y la tecnología digital permiten que cualquier persona cree y comparta imágenes fácilmente en la actualidad.
Este documento discute cómo las imágenes son interpretadas de manera subjetiva dependiendo de la experiencia y cultura de cada persona. Las mismas imágenes pueden significar cosas diferentes para diferentes personas y su significado depende del contexto y recuerdos asociados. Las imágenes juegan un papel importante en cómo vemos y entendemos la realidad.
Este documento describe un proyecto de collage realizado con cartulinas, tijeras, papel charol, cartón y pegamento. El cartón se dividió en partes iguales para pegar trozos de cartulina y formar un tablero similar al juego de la oca. Algunas casillas contenían cosas que no le gustan a la autora, como la televisión y los garbanzos, mientras que otras casillas tenían cosas que sí le gustan, como flores, viajar, fruta, campo y música. Cada casilla incluía una ficha de papel charol
El documento describe el procedimiento para hacer un autorretrato en cartón usando una fotocopia, temperas y lápices de colores. Primero se pinta el cartón con temperas y se deja secar. Luego se coloca la fotocopia sobre el cartón y se pasa un trapo empapado en disolvente para transferir la imagen. Finalmente se colorean los detalles con lápices.
El documento define el logotipo como un gráfico que representa a una entidad o grupo. Históricamente, artesanos y reyes usaban marcas y sellos para identificar sus creaciones y documentos de manera única. Un logotipo moderno suele contener un icono visual y el nombre de la marca de manera integrada o separada. El ejemplo dado describe el proceso de crear un logotipo personal usando una rana con las iniciales de la persona.
El documento define el logotipo como un gráfico que representa a una entidad o grupo. Históricamente, artesanos y reyes usaban marcas y sellos para identificar sus creaciones y documentos de manera única. Un logotipo moderno suele contener un icono visual y el nombre de la marca de manera integrada o separada. El ejemplo dado describe el proceso de crear un logotipo personal usando una rana con las iniciales de la persona.
El documento describe los principales conceptos relacionados con la percepción visual. Explica que la percepción es un proceso activo a través del cual interpretamos el mundo exterior utilizando nuestros sentidos y basándonos en nuestras experiencias. Describe las leyes de la Gestalt, que explican cómo organizamos visualmente los estímulos, incluyendo las leyes de figura-fondo, proximidad, simetría, continuidad y otras. Finalmente, propone actividades docentes centradas en crear dibujos ambiguos y mostrar diapositivas con diferentes pers
El documento define un logotipo como un gráfico que representa a una entidad o grupo. Explica que los logotipos suelen contener símbolos sobre quienes representan y que se usaban marcas para identificar autores como artesanos, fabricantes y reyes. Finalmente, presenta el logotipo personal del autor, el cual consiste en un Indalo estilizado con los colores amarillo y azul claro que representan el sol y el cielo de la provincia de Almería.
El documento define un logotipo como un gráfico que representa a una entidad o grupo. Explica que los logotipos suelen contener símbolos sobre quienes representan y que se usaban marcas para identificar autores como artesanos, fabricantes y reyes. Finalmente, presenta el logotipo personal del autor, el cual consiste en un Indalo estilizado con los colores amarillo y azul claro que representan el sol y el cielo de la provincia de Almería.
El documento resume los factores físicos que intervienen en la creación del color, incluyendo el matiz, la saturación y la luminosidad. Explica que el matiz se refiere al color mismo, la saturación a la pureza de un color y la luminosidad a su brillo. También describe las funciones plásticas del color en la creación de espacios bidimensionales y tridimensionales, y las sensaciones que produce cada color como el efecto de avance de los cálidos y de retroceso de los fríos. Finalmente, resalta que el significado de cada
1. EL DESNUDO FEMENINO Realizado por: Alicia González González Mª Cinta Hidalgo Herrera Carlos Malvárez Macías Elena Pintor Rodríguez Mª Carmen Salinas Fernández
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5. Esta situación cambia radicalmente en el curso de la Edad Media. En esta época y, bajo la tutela de la iglesia omnipresente, el cuerpo humano es considerado como la sede pecaminosa de la lujuria y la concupiscencia. En el antiguo Egipto, relieves, pinturas y esculturas describen las formas naturales de la mujer de manera sofisticado y vistas a través de una larga vestimenta muy fina y transparente.
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13. PREHISTORIA Gracias a ciertas muestras escultóricas que han pervivido de aquellos tiempos hoy podemos decir que posiblemente los hombres escogían mujeres con los órganos reproductores muy marcados (pechos, vientre, caderas anchas…) para que a la hora del alumbramiento les resultase mas fácil y no muriesen durante el parto ni la mujer ni el niño. Aunque quizás eran estas mujeres las que escogían con que hombres querían formar una familia.
14. EGIPTO Para los antiguos egipcios, el canon de belleza no era el mismo que tenemos en la actualidad. Para ellos la belleza consistía en armonía, perfección, frontalidad… Según el canon de belleza egipcio una mujer debía ser delgada, con pequeños miembros pero de caderas anchas y pechos pequeños y torneados, solían ensalzar su belleza mediante joyas y bisutería. Su preocupación por mantener el cuerpo lo mas perfecto posible, les llevo a conocer muy bien la naturaleza para obtener de ella todos aquellos productos que les ayudase a conseguirlo.
15. GRECIA Las esculturas de las mujeres, aunque proporcionadas, representan a mujeres más bien robustas y sin sensualidad, los ojos eran grandes, la nariz afilada, boca y orejas ni grandes ni pequeñas, las mejillas y el mentón ovalados, pues daban un perfil triangular; el cabello ondulado detrás de la cabeza, y los senos pequeños y torneados.
16. EDAD MEDIA El ideal de belleza de la época, a sido tantas veces pintado, que nos resulta ya muy conocido, la mujer medieval muestra blancura en la piel, cabellera rubia y larga pese a que el pelo suele estar recogido, rostro ovalado, ojos pequeños pero vivos y risueños, nariz pequeña y aguda, labios pequeños y rosados, torso delgado de complexión ósea como corresponde a las nórdicas (caderas estrechas, senos pequeños y firmes, y manos blancas y delgadas). La blancura de la piel era un símbolo de belleza muy importante ya que era un indicador de la pureza de la mujer y al mismo tiempo un símbolo de la procedencia del norte de Europa. Las vírgenes medievales presentan también estas mismas características.
17. RENACIMIENTO El Renacimiento tiene un canon de belleza semejante al del mundo clásico, donde tenía su principal fuente de inspiración estética, de este modo es que se basa sobre todo en la armonía y en la proporción. Las características femeninas son bien conocidas: piel blanca, sonrosada en las mejillas, cabello rubio y largo, frente despejada, ojos grandes y claros; hombros estrechos, como la cintura; caderas y estómagos redondeados; manos delgadas y pequeñas en señal de elegancia y delicadeza; los pies delgados y proporcionados; dedos largos y finos; cuello largo y delgado; cadera levemente marcada; senos pequeños, firmes y torneados; labios y mejillas rojos o sonrosados. En la época tan solo usaban maquillaje como el colorete y el carmín para esos tonos rosas de la cara
18. Aunque donde si encontramos diferencias con épocas anteriores es en el vestido ya que es bastante ostentoso. A pesar de eso a los renacentistas, en su afán por mostrar la perfección corporal, les gustaba mostrar la desnudez de los cuerpos en muchas de sus obras.
19. BARROCO Estuvo caracterizada por se la edad de la apariencia y la coquetería. Aunque lo que mas destaca de esta época el uso y abuso tanto de perfumes, carmines, lunares postizos o pintados y peinados muy pomposos, como el uso por prendas de vestir como corsés muy ceñidos al cuerpo, en cajes, ropas suntuosas, zapatos de tacón, y espejos y joyas. En definitiva se puede clasificar a este periodo como la época del abuso de la coquetería y la pomposidad al fin y al cabo. En cuanto al aspecto físico, se pueden adivinar bajo los ropajes unos cuerpos más rellenitos que en épocas anteriores, pechos más prominentes resaltados por el uso de los corsés, caderas anchas y cinturas estrechas, hombros estrechos y brazos redondeados y carnosos, la piel blanca sigue siendo un referente de belleza.
20. ¿que causas son las que creéis que motivan que la desnudez aun sea un tabú tan importante? La mayoría de los componentes del grupo pensamos que en nuestra sociedad el desnudo es un tema tabú pero que poco a poco nos vamos acostumbrando a ello. La mayoría de las personas que opinan que el desnudo es un tema tabú son las personas de mayor edad que han vivido en una sociedad completamente distinta y no se terminan de acostumbrar al cambio. A nosotros nos daría vergüenza desnudarnos delante de otras personas pero no nos escandalizaríamos al ver a otros que lo hagan. Otro factor importante observamos sobre este tema es la cultura. Por ejemplo: las mujeres musulmanas no pueden ni destaparse la cara. Si las ven por la calle con algo menos de ropa de lo normal las apedrean hasta matarla. Por otro lado, en algunas tribus de África van todos los componentes desnudos.
21. Nosotros nos preguntamos: ¿por qué se desnuda más la mujer que el hombre? El desnudo está fuertemente vinculado al erotismo en medios audiovisuales, como el cine, televisión y video. Por razones comerciales, la industria del cine suele retratar la desnudez de actores y actrices físicamente atractivos, aunque es también empleada como un recurso expresivo para retratar la vulnerabilidad de nuestro cuerpo o como metáfora de la fragilidad del mismo en escenas impactantes o conmovedoras, despojadas de toda connotación sexual.
22. El impresionante potencial de difusión de material audiovisual en la era de la internet ha hecho de la desnudez de celebridades un verdadero culto seguido con dedicación por incontables usuarios alrededor del mundo y capitalizado por publicaciones de gran popularidad como la afamada revista norteamericana Playboy que periódicamente ofrece tentadoras sumas de dinero a mujeres del espectáculo para posar en sus páginas, como así también, ha repercutido en una creciente negativa de muchos actores y actrices a realizar desnudos por pudor a que tales escenas se difundan sin control por la red mundial, en efecto, muchos de ellos que rehúsan aparecer desnudos en filmes sí lo hacen en teatro o en performances, en la intimidad del público presente y con las debidas precauciones. La discusión trivial en torno a este tópico de los medios ha establecido una terminología afín para designar categorías de desnudez.
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24. Lo que tendrá repercusiones serias en una sociedad de adolescentes con crisis de identidad y adultos insatisfechos, que buscará el culto al cuerpo como el centro de su vida.
25. Llegamos al punto, que cada vez más chicas por hacerse un sitio en alguna revista barata vende su cuerpo, incluso aumenta las cifras de su talón, sin exhibe alguna parte más pudorosas.
26. El nacimiento de Venus Realizado en 1482. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia. El título de la obra no es exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores. SANDRO BOTTICELLI
27. Dánae recibiendo la lluvia de oro Es un cuadro pintado en el siglo XVI, hacia 1553. Es un óleo sobre lienzo, el cual mide 129 cm x 180 cm, y ahora esta expuesto en el Museo del Prado . TIZIANO BECELLIO
28. Venus de Urbino Realizado en 1538. es un oleo sobre lienzo, el cual mide 119 x 165 cm. En el que aparece en primer término la figura desnuda de una mujer. , símbolo de la fidelidad. La imagen destila un erotismo sensual, una novedad en la pintura del cinquecento. TIZIANO BECELLIO
29. Marguerita Luti Retrato de una joven (La Fornarina), ejecutado en los años 1518-1519. Es una pintura al óleo sobre tabla con unas dimensiones de 85 centímetros de alto y 60 cm de ancho. Se conserva en la Galería Nacional de Arte Antigua en el Palacio Barberini de Roma, Italia RAFAEL SANZIO
30. Ariadne,Venus y Bacchus Fue pintado en 1578 en óleo sobre lienzo. Es una pintura manierista que según un crítico del pintor representa el otoño. Forma parte de un conjunto de pinturas dedicadas a sacralizar el poder a través de la mitología, y manifestar la armonía con las leyes de la naturaleza. JACOPO ROBUSTI
31. El Juicio de Paris 1638 Es un óleo sobre lienzo, el cual mide 199 x 379 cm, el cual fue realizado en 1939. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado. Recoge el momento en el que Paris, hijo de Priamo, rey de Troya, toma la manzana que le da Mercurio para que se la entregue como premio a la diosa más bella. Las tres diosas habían intentado previamente comprar la decisión del joven príncipe con diferentes ofrecimientos. PETER PAUL RUBENS
32. El Rapto de las Hijas de Leucipo Fue ejecutado hacia el año 1616. Se trata de una pintura al óleo sobre tela, que mide 2,22 metros de alto y 2,09 m. de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania). En esta tela se representa un tema mitológico. Cástor y Pólux raptaron a las hijas de Leucipo. PETER PAUL RUBENS
33. Las Tres Gracias Realizado en 1636-1639. Está pintado al óleo sobre tabla y mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho. actualmente se encuentra en el Museo del Prado. La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. PETER PAUL RUBENS
34. Venus del espejo Realizado entre (1599-1660),Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, donde se la exhibe como The Toilet of Venus o The Rokeby Venus. Anteriormente perteneció a la Casa de Alba y a Godoy, época en la que seguramente se conservaba en el Palacio de Buenavista de Madrid. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. DIEGO VELÁZQUEZ
35. La maja desnuda Es una de sus célebres obras, (SIENDO LA PRIMERA OBRA EN EL QUE APARECÍA EL DESNUDO EN ESPAÑA). El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800, fecha de la primera referencia documentada de esta obra. Luego formó pareja con La maja vestida, datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy, pues consta que formaron parte de un gabinete de su casa. FRANCISCO JOSÉ DE GOYA Y LUCIENTES
36. La libertad guiando al pueblo EUGÈNE DELACROIX Es un cuadro pintado en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París. Es un oleo sobre lienzo, cuyas medidas son 259 x 325 cm. El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas
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38. La ninfa de las cerezas Es un óleo sobre tela realizada aproximadamente en el año 1856- 1909, la cual demuestra la maestría para hacerse de una temática artificiosa muy a la boga en París de fin de siglo, que Valenzuela Puelma supo satisfacer en ese entonces. Sin embargo, este tipo de pintura que en Europa era de carácter académico, no satisfacía el gusto del público nacional, poniendo al pintor en una contradicción. La figura concentra todo el valor pictórico siendo el fondo un decorado que la envuelve. ALFREDO VALENZUELA PUELMA
39. La perla del mercader Es un oleo sobre tela, realizado en 1885. Una de las características notables es la decidida incorporación del desnudo femenino a la pintura nacional, hecho no menos significativo si se piensa en la idiosincrasia del país. Esta es una de las obras más representativas del pintor, donde la composición dinámica de líneas ovaladas otorgan la sensualidad que faltaba al resto de la producción nacional de ese entonces. ALFREDO VALENZUELA PUELMA
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41. Nu Assis sur un Divan ( Desnuda sentada en un sofá) También conocida como La Belle Romaine, es una obra que fue pintada en 1919. Es un óleo sobre lienzo el cual mide 100 x 65 cm y es uno de los desnudos mas caros del arte. La pintura fue subastada en el año de 1999 y alcanzo un precio aproximado de 16 millones de dólares (210 millones de pesos) AMEDEO MODIGLIANI
42. Nu couche de dos Desnudo reclinado de espaldas, realizado por este pintor en 1917, el cual supo plasmar su cuadro la sensualidad de una silueta femenina. Es un óleo sobre lienzo, cuyas medidas son 25 08/03 x 39 1 / 8 de pulgada (64,5 x 99,5 cm) Se encuentra en la Fundación Barnes, Merion, PA . AMEDEO MODIGLIANI
43. Retrato desnudo con reflejo Fue en el año de 1980 cuando el pintor alemán Lucian Freud plasmó este desnudo en uno de sus lienzos. La imagen retrata el cuadro de una mujer sin ropa sobre un sofá; en segundo plano se pueden apreciar las piernas de un hombre. El precio alcanzado de esta obra en subasta supera los 300 millones de pesos aprox. LUCIAN FREUD
44. Les Demoiselles d´Avignon Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o de Avinyó es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. PABLO RUIZ PICASSO
45. Les Femmes d'Alger Pintada en el año de 1995 por el artista español Pablo Picasso, la obra fue inspirada en un cuadro llamado "Mujeres de Argel" realizada 1855 por Eugéne Delacroix. Existen diferentes versiones de esta pintura basadas en este concepto, siendo la llamada "J" la que más alto precio alcanzó en venta: 19 millones de dólares (251 millones de pesos). PABLO RUIZ PICASSO
46. Nu au collier (Desnudo con collar) Pintado en 1932. Es un óleo sobre lienzo, el cual mide 92 x 73 cm. El lienzo es un retrato cubista de una de las musas del pintor, Marie-Théresse Walters, una mujer de la que Picasso se enamoró perdidamente y cuya feminidad aparece enfatizada en la obra por colores vivos y formas redondeadas. Pretende explicar la fecundación y exagerar las curvas femeninas PABLO RUIZ PICASSO
47. Desnudo, hojas verdes y busto Se trata de un lienzo de grandes dimensiones (160 x 130 cm) realizado en 1932, que muestra en primer plano la figura desnuda de Marie-Thérèse Walter, su musa y amante, recostada cerca de una bandeja de frutas. Al fondo, una planta de hojas verdes, y en el costado superior derecho, un busto con el rostro de la mujer. Como dato curioso, el perfil del propio Pablo Picasso también se ve difuminado en el fondo de tonos azules. PABLO RUIZ PICASSO
48. Apolo y Dafne Pertenece a (1598-1680). El movimiento es la clave de su comprensión. Coge la mitología en el mismo instante en que el dios Apolo desea poseer a Dafne. Es una perfecta anatomía. Su rostro expresa el deseo. Dafne presenta un rostro en el que lanza un grito, sus cabellos empiezan a transformarse en la hoja de laurel, sus brazos en las ramas y sus pies en raíces y troncos. GIAN LORENZO BERNINI
49. El beso Realizado en mármol en 1886, cuyas medidas son 1,90 x 1,20 x 1,15 m. actualmente se encuentra en el Museo Rodin (París). Se caracteriza por un modelado perfecto. Los pequeños desnudos están llenos de vigor y fuerza expresiva. Vemos en ello la influencia miguelangelesca. . AUGUSTE RODIN
50. La tres Gracias Realizado en 1815- 1817, en mármol, cuya medida es 167 cm. Actualmente se encuentra en Victoria and Albert Museum, y National Gallery of Scotland, Edimburgo, en régimen de propiedad compartida. Estas figuras encarnan y representan el desnudo femenino de una manera perfecta. Además refleja una composición mitológica. ANTONIO CANOVA
51. La Fuente de la Doncella Realizada en mármol blanco que representa, en tamaño natural, a una mujer desnuda sacando agua de un pilón. Se inauguró el 19 de julio de 1931, emplazándose cercana a un ombú, en el Parque Rivadavia. Allí permaneció hasta el año 1970 en que fue desplazada para reubicarla, en 1971, en la Plaza San Martín, frente a la estatua de Esteban Echeverría, lugar en donde permaneció hasta fines de 2009, cuando fue devuelta al Parque Rivadavia. JOSEP LLIMONA
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53. Realizado por: Alicia González González Mª Cinta Hidalgo Herrera Carlos Malvárez Macías Elena Pintor Rodríguez Mª Carmen Salinas Fernández
54. FRANCISCO DE GOYA Barroco, Rococó, Neoclasicismo y Romanticismo. Movimiento Pintura, Grabado, Dibujo. Área Española Nacionalidad 15 de abril de 1828 Burdeos (Francia) Fallecimiento 30 de marzo de 1746 Fuendetodos (Zaragoza) Nacimiento Francisco Goya Lucientes Nombre real
55. Francisco Goya Lucientes nació en 1746, en el seno de una familia de mediana posición social de Zaragoza. Su padre era un artesano de cierto prestigio, maestro dorador, cuyas relaciones laborales sin duda contribuyeron a la formación artística de Francisco. La familia atravesó dificultades económicas que pudieron obligar al jovencísimo Goya a ayudar con su trabajo a su padre para superar la crisis. Quizá este hecho explique que su ingreso en la Academia de Dibujo de Zaragoza.
56. Goya, es un pintor cuyo aprendizaje progresa lentamente, y su obra de madurez se revelará tarde, aquí nos podemos dar cuenta, que con esfuerzo todos podemos a llegar a conseguir lo que nos proponemos. Gran popularidad tiene su Maja desnuda , en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada.
58. La maja desnuda es una de las obras de Francisco de Goya mas importantes. El cuadro es pintado antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800. Esta pintura se trata de cuerpo entero, de una hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho y mirada directa al observador. se trata de un desnudo de una mujer real, contemporánea a Goya, e incluso en su época se le llamó « la Gitana ». La primacía temporal de La maja desnuda indica que en el momento de ser pintado, el cuadro no estaba pensado para formar pareja aunque más tarde fue pintada la maja vestida, que es igual que esta, pero con ropa.
59. Predomina una gama cromática fría, se nota la influencia del neoclasicismo. Esta es la primera obra de arte en la cual aparece pintado el vello púdico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición, se cree que es la Duquesa de Alba de aquella época. Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que este sabe dar a los ojos.
60. El artista, en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida en un espacio oscuro que ella ilumina. Este se encuentra desde 1910 en el Museo del Prado.
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62. Realizado por: Mª Carmen Salinas Fernández. 54118606-C 1º de magisterio de primaria. T2